Desenho de Retratos como veículo de auto-expressão

Desenho de Retratos como veículo de auto-expressão

A artista do Maine, Janvier Rollande, descobre que um pouco de si sempre aparece em seus desenhos de outras pessoas em grafite, resultando em peças com uma dimensão psicológica que às vezes traz benefícios pessoais inesperados.

ADAPTADO DE UM ARTIGO ESCRITO ANTERIORMENTE POR BOB BAHR

Em cada desenho, é provável que essas qualidades tenham sido exageradas por Rollande – os modelos provavelmente estavam em uma postura muito mais mundana. Também é provável que Rollande não estivesse ciente de suas mudanças na cena. A desenhista do Maine trabalha em seus desenhos detalhados durante vários meses, e suas intrigas psicológicas penetram nas peças intuitivamente. “Não penso muito em simbolismo”, diz ela. “Simplesmente tenho algo em mente e não paro para analisar. Eu vou com tudo que vejo.”

Rollande também segue sua intuição quando se trata de sua técnica. Como muitos artistas de retratos, ela começa com um olho. Mas ao contrário da maioria, ela não faz nenhum desenho preliminar, nem mesmo um esboço áspero para proporções. Rollande simplesmente olha as dimensões da superfície e depois começa.

Com os fios de grafite Staedtler (geralmente HB, mas ocasionalmente 2B ou F) protegidos em um suporte, ela constrói o desenho usando linhas diagonais paralelas. Esta eclosão é tão finamente estabelecida que se tornasse essencialmente invisível para o espectador na peça final.

A artista é extremamente cuidadosa ao construir suas linhas, e até mesmo construiu um dispositivo para colocar no desenho enquanto ela trabalha para evitar manchar suas marcas. “A mancha mata a luz no papel”, diz a artista.

“Por não manchar, não importa quantas camadas eu consigo com os traços, há alguma luz que sempre vem através. Em pessoa, você pode sentir essa sensação de luz e a suavidade resultante.” Por razões semelhantes, Rollande raramente usa sua borracha limpa-tipos. “Ela muda a superfície do papel”, ela explica. “É por isso que eu comecei com marcas muito, muito claras, então não terei que apagar”.

Esta abordagem tem vantagens – segundo Rollande, você é capaz de visualizar as proporções precisas da imagem na folha em branco.

Um exemplo da força desse método é The Memory. A artista explica que esta peça não foi calculada pelo menos, e por causa do método de trabalho, o desenho poderia ser concluído com vários objetos não resolvidos.

“Minha mãe está desaparecendo no fundo, que é como minha experiência de minha mãe – ela estava presente e não está presente na minha vida”, diz Rollande.

“Eu consegui fazer isso porque não esbocei tudo ao mesmo tempo. Não sabia que não iria terminar todo o rosto dela. Deixei o desenho falar comigo enquanto eu desenhava.”

“Uma das mãos de sua mãe está bem pronta, o que é apropriado para uma mulher que apoiava a família trabalhando com as mãos. A violeta africana está totalmente desenhada para mostrar seu sucesso com essas plantas às vezes difíceis, e as cortinas em segundo plano, que sua mãe tinha costurado, referem-se a sua profissão de costureira. É sobre sua capacidade de criar costura de beleza, e para nutrir uma planta, mas não ser assim como mãe”, diz Rollande. “É tudo sobre presença e não presença”.

O retrato de sua mãe morrendo, Adieu, Maman, tem o padrão impresso da camisola na área do peito, uma omissão que Rollande escolheu para reter. “Representa o aspecto material da pessoa que sai”, diz ela. “O material não é mais importante”. Mesmo sem detalhes nesta área, o desenho é uma conquista em marcação extremamente cuidadosa, um processo que pode levar meses e, em alguns casos, até anos.

O retrato quase de tamanho natural The Gift a artista levou quatro anos para completar. “Acabei de começar quando Townsend Wolfe, o diretor do Centro de Artes de Arkansas na época, me visitou”, lembra. “Ele me disse para chamá-lo quando eu terminasse. Quatro anos depois, liguei para ele. Não pensei que ele se lembraria de mim, mas ele lembrou, e ele comprou o desenho. Eu trabalho muito mais rápido hoje em dia – isso provavelmente me levaria apenas dois anos agora”, diz ela com uma risada.

Rollande geralmente usa a natureza de sua técnica para sua vantagem. Para Adieu, Maman, por exemplo, o processo permitiu-lhe lidar com a morte de sua mãe. “Observar a transformação de alguém que parecia ser a pessoa que eu conhecia em apenas um esqueleto com uma camada de pele, era uma experiência tão profunda e esmagadora que senti que precisava de tempo com isso”, diz Rollande.

“Esse é o motivo do desenho. Eu acho que desenhar em geral é uma maneira de eu realmente saber algo, entender algo ou alguém. Este desenho foi uma maneira de entender essa experiência particular e meus sentimentos sobre isso, e chegar a um lugar de paz com sua morte e com nosso relacionamento. Isso foi um presente.”

“Eu acho que desenhar em geral é uma maneira de eu realmente saber algo, entender algo ou alguém”.

Mãe e Criança exploraram o papel de Rollande como mãe solteira.

“Nós temos um relacionamento muito próximo, e eu queria descrevê-lo”, ela diz sobre ela e sua filha, Sarah.

“Cada um de nós tem sua própria vida, mas estamos conectadas. Eu intitulei a Mãe e a Criança para compará-lo e contrastá-lo com todas as pinturas de mães segurando seus filhos e as Madonas e tudo isso. Quando são apenas vocês dois, pode ser um relacionamento muito intenso, então há momentos em que eu me deslocaria para o meu próprio mundo e ela faria o mesmo, mas ainda estaríamos conectadas. É outro ponto de vista sobre a maternidade. Ela está olhando por cima de seu ombro para mim, como ela precisa de mim, e essa camiseta está escorregando no seu ombro pré-adolescente – talvez eu devesse estar prestando mais atenção! Ela está usando o que ela costumava dormir, e eu estou no meu roupão de banho – é de manhã e estamos relaxadas. Isso sugere uma aura de intimidade; Nós somos familiares, sentadas em nossa roupa de dormir.”

“A mesa elegante e reflexiva é parcialmente uma invenção” – Rollande diz que a mesa atual parece maltratada e bem usada. “Você não veria muito reflexão nela”, comenta.

“Essa é uma das coisas maravilhosas sobre ser um artista – você pode mudar as coisas, transformá-las para que elas sejam mais atraentes”.

Rollande tirou uma fotografia da cena para a Mãe e a Criança pisando uma liberação de bulbo anexada à câmera. Seu trabalho envolve sempre uma combinação de fotografia e trabalho da vida. “Não coloquemos minhas fotos e não sou fotógrafa, então tenho sorte de tirar fotos com as quais posso trabalhar”, diz ela.

“Eu quase simplesmente me concentro e bato a foto. Às vezes, elas não são tão boas, e eu preciso extrair o que puder. Um artista tem que ir além da superfície de algo de qualquer maneira. É sobre ter certa sensibilidade e boa percepção, visual e de outra forma. Quando estou desenhando pele, estou pensando em pele, sentindo isso, vendo todas as sutilezas que estão lá. Quero apresentar texturas nos desenhos para que alguém realmente perceba o que parece ser, seja uma camisa de algodão enrugada ou a textura do cabelo de alguém”.

Para comissões, a artista gosta de fotografar o assunto em sua casa para que eles estejam mais à vontade.

Os clientes podem ver o que está fotografando, mas eles não sabem como será a peça até Rollande apresentar o desenho final. “Nunca tive decepção alguma”, diz ela. “Eu lhes digo que sou uma artista e vou fazer o desenho que farei mais feliz”.

Muitas vezes ela tem que trabalhar com várias fotografias para obter a composição que ela quer, tirando uma expressão facial de uma e uma Arranjo das mãos de outro, por exemplo.

“Conseguir que pareça natural é a parte mais difícil ao misturar fontes”, comenta Rollande.

“Conseguir que eles se encaixem bem em termos de tamanho, composição e fonte de luz podem ser difíceis.” Às vezes, a colocação do sujeito no ambiente é crucial para seu desenho, como em Alex e Leigh, em que as linhas verticais das balaustradas da escada imitaram as listras no papel de parede atrás das crianças.

“A grade também atuou como parte da composição e os uniu”, acrescenta. A boneca final é a própria personalidade da artista, que pode ser ampliada por um aspecto da personalidade da babá, ou pode atuar como um esmalte sobre toda a peça. “Eu tendo a ser uma pessoa tranquila e mais gentil, e acho que isso acontece nos meus desenhos”.

“Um artista tem que ir além da superfície de algo. Trata-se de ter uma certa sensibilidade e boa percepção, visual e de outra forma “.

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