Desenhos Realistas

Aprendendo a desenhar através da cópia

Carlos Damasceno

Aprendendo a desenhar através da cópia

Você pode melhorar sua habilidade de desenhar copiando o trabalho de grandes desenhistas, pintores, escultores, cartunistas e cineastas – qualquer coisa, de Michelangelo a Mickey Mouse.

No passado, a maioria dos artistas começava a sua jornada de aprendizagem da arte do desenho copiando o trabalho de outros artistas. Na verdade, muitos artistas avançados continuaram a copiar ao longo de suas carreiras, a fim de aprimorar suas habilidades e aguçar seus olhos. A cópia continua tão valiosa como sempre para os artistas figurativos que tentam melhorar a sua coordenação olho-mão e a sua compreensão da forma.

Mas, ao contrário do Renascimento, quando a única opção de um artista iniciante era estudar com um mestre local e copiar tudo o que encontrasse no estúdio do mestre, hoje há muito mais opções à disposição de um artista. Eles vão desde os recursos tradicionais de reproduções de antigos mestres em livros e obras originais em museus até histórias em quadrinhos, animação e uma riqueza de recursos disponíveis online.

Claro, não há substituto para trabalhar a partir da vida e fazer suas próprias observações. Mas copiar dos Velhos Mestres pode complementar seus outros esforços, ou pode ser a base de seus estudos se você não tiver acesso imediato a um modelo, como foi o meu caso quando comecei a desenhar.

Aqui, explicarei algumas das muitas vantagens de copiar diferentes mídias visuais, juntamente com conselhos sobre como você pode usar a cópia de maneira mais eficaz para melhorar suas habilidades de desenho. Começarei este artigo da mesma forma que comecei minha carreira de desenho: com os artistas que me inspiraram a pegar um lápis e desenhar.

Estudo do Torso Belvedere de Rubens, ca. 1601–1602, giz vermelho, 10¼ x 15½. Coleção Metropolitan Museum of Art, Nova York, Nova York.

Esboço de The Belvedere Torso de Dan Gheno, 1985, carvão, 12 x 9. Coleção do artista.

O Torso Belvedere de Apolônio, o Ateniense, século I a.C., mármore.
Coleção Museus do Vaticano, Roma, Itália. O Belvedere Torso é uma das esculturas mais copiadas da história. Foi venerado por artistas como Michelangelo, Goltzius e Rubens, que o desenharam diversas vezes. Com as suas enormes proporções, fortes mudanças de plano e musculatura vigorosamente definida, este fragmento de escultura ainda é procurado por artistas que procuram avançar na sua compreensão da forma humana.

No início, havia histórias em quadrinhos

Em meados da década de 1960, não tínhamos o acesso fácil às reproduções de desenhos dos Antigos Mestres, que desde então se tornou possível graças aos melhores métodos de impressão e à abertura da Web. Como muitas crianças que cresceram nesse período, meu primeiro contato com desenhos de figuras boas e volumétricas, prontamente disponíveis, veio dos quadrinhos. A indústria vivia um renascimento visual na época, povoada por muitos artistas que tinham formação tradicional a partir da vida. Parecia aos meus olhos jovens que eles poderiam esboçar a forma humana de memória quase tão bem quanto os grandes artistas da Renascença e do Barroco o fizeram – pelo menos a julgar pelas reproduções originais de baixa qualidade disponíveis para mim.

O átomo – um punhado de desejos

por Gil Kane, 1966, tinta. Impresso em Atom, No. 26. Cortesia da DC Comics. Você pode aprender muito sobre conceitos de forma, anatomia e expressividade de gestos com artistas clássicos de quadrinhos como Gil Kane, Steve Ditko e Dan Spiegle. O desenho do Átomo feito por Kane foi uma grande influência para mim quando criança, com sua pose poderosa, tronco expressivamente arqueado e membros explosivamente abertos. Junto com seu trabalho em quadrinhos, Kane nunca parou de desenhar esboços anatômicos rápidos, sempre aprimorando sua compreensão de anatomia, conceitos de forma e sua especialidade, partes do corpo escorçadas.

Aos 10 anos, quando comecei a desenhar, quase não possuía coordenação olho-mão natural. Muitos de meus amigos desenhavam muito melhor do que eu, e alguns deles me incentivaram a desistir dessa atividade para meu próprio bem. Em vez disso, desenhei incessantemente em histórias em quadrinhos por horas a fio, todos os dias durante vários anos, determinado a me tornar um artista figurativo.

Aprender a desenhar leva tempo. A menos que você seja um dos poucos sortudos abençoados com muito talento inerente, a única maneira de desenvolver sua coordenação olho-mão – seja você um aspirante a artista de 10 ou 65 anos – é através de muita prática. As antigas academias forçaram os novos alunos a desenhar a partir de gravuras de desenhos dos Antigos Mestres antes de permitir-lhes desenhar moldes de gesso e, eventualmente, um modelo real. Não há substituto para anos desse tipo de prática de força bruta. É muito mais fácil lidar com questões mais difíceis de forma, valor e cor, uma vez que você pode controlar onde deseja que sua mão vá com o lápis ou pincel.

Domine os Desenhos: faça uma forma de cada vez

Aprendi muito sobre anatomia muscular e formas tridimensionais desenhadas em histórias em quadrinhos. Aprendi ainda mais quando cheguei à adolescência e tive acesso a uma biblioteca de arte e reproduções de boa qualidade para estudar e, mais tarde, quando comecei a frequentar museus na “cidade grande” para copiar obras originais.

Esta progressão do Batman para o Barroco não é tão chocante quanto você imagina. Uma coisa que os grandes artistas de histórias em quadrinhos da década de 1960 têm em comum com os Velhos Mestres é a capacidade de desenhar a figura de memória, possibilitada por uma compreensão conceitual dos volumes subjacentes da figura. Embora muitos dos desenhos dos meus mestres favoritos tenham sido feitos principalmente a partir da vida, acredito que é a compreensão intuitiva da forma dos artistas que dá aos seus desenhos tanta profundidade volumétrica e energia – o que Rodin chamou de “projetos de volumes interiores”.

Talvez a coisa mais importante a saber sobre a cópia do trabalho dos mestres é que o objetivo não é, na maioria dos casos, fazer uma réplica perfeita da imagem original. Não há nada de errado em fazer isso, mas para a maioria dos artistas, um melhor uso do tempo é concentrar-se em áreas de interesse pessoal. Quando você tiver uma reprodução de um desenho do Velho Mestre à sua frente, pergunte-se o que deseja aprender com ele. Se tiver dificuldade em entender uma determinada parte do corpo, você pode copiar áreas de desenhos que focam nessa parte do corpo para aprender como outros artistas a interpretaram. Ou, se precisar praticar o escorço, selecione um segmento encurtado de um desenho mestre e pratique copiá-lo.

Uma estratégia de cópia muito eficaz é copiar uma parte do corpo, como uma perna ou um braço, depois guardar a cópia e o original e tentar desenhar a forma novamente de memória, concentrando-se nas formas simplificadas essenciais da parte do corpo (ou conceitos de forma). Você pode seguir a mesma abordagem ao trabalhar a partir da vida, desenhando repetidamente a partir de seus próprios esboços, tentando internalizar as formas do corpo.

Este processo é semelhante a uma abordagem utilizada pelo professor francês do século XIX, H. Lecoq de Boisbaudran, que ensinou Rodin e Henri Fantin-Latour, entre outros. Lecoq muitas vezes fazia seus alunos ficarem de costas em cavaletes afastados do modelo e desenharem a pose de memória. Às vezes, eles estariam em outro andar ou em um prédio diferente. Lecoq também defendeu a cópia dos Antigos Mestres – ele enviou seus alunos ao Louvre para observar pinturas por horas a fio antes de retornar aos seus estúdios para fazer cópias precisas dos originais.

Você pode ver muitas dessas reproduções no livro de Lecoq, The Training of Memory in Art, que pode ser encontrado na internet. Mas, novamente, não se deixe intimidar por essas reproduções de estudantes impressionantemente perfeitas. A questão não é a cópia finalizada, mas o que você aprende no processo de fazê-la. Meus primeiros cadernos de desenho estão repletos de milhares de pequenos esboços rabiscados que transcrevem vagamente fragmentos de desenhos dos Velhos Mestres, recopiados muitas vezes na mesma página. Alguns desses rabiscos podem nem ser reconhecíveis para um observador externo – e isso não importa. Esses desenhos não foram feitos para serem emoldurados. Mas eles podem fazer uma grande diferença na sua compreensão da forma humana.

Fragmento de Torso Masculino de Dan Gheno, 2013, carvão, 24 x 18. Coleção do artista.
Ao copiar desenhos e esculturas de Velhos Mestres, e obras de artistas de quadrinhos, você se torna mais sensível ao potencial expressivo encontrado na definição muscular e nas mudanças de plano no modelo vivo, aqui acentuado por uma forte luz refletida que sai do canto onde o lado e costas encontram-se ligeiramente mais escuros que o resto da sombra.

Woman Leaning on Table
by Dan Gheno, 2007, colored pencil and white chalk on toned paper, 24 x 18. Collection the artist.

Studies of the Borghese Gladiator
by Edgar Degas, ca. 1856–1857, red and black chalk, 12¼ x 9½. Collection Sterling & Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts. Courtesy Bridgeman Art Library.

Trabalhando com desenhos dos Antigos Mestres e histórias em quadrinhos dos anos 1960, descobri muito sobre o potencial conceitual do trabalho com linhas, aprendendo como manipular linhas para indicar a “projeção” da forma de que Rodin falou. Uma linha tênue colocada no lado do formulário voltado para a fonte de luz e uma linha mais escura e pesada no lado escuro oposto podem ajudar a reforçar a sensação de luz e sombra sem muito sombreamento real do papel. Da mesma forma, você pode usar linhas sobrepostas mais escuras e mais grossas para inferir formas avançadas e linhas tênues relativamente mais finas em formas recuadas, como Degas faz aqui. Observe também como uma linha se funde com outra, assim como uma forma se encaixa em outra.

Pontos chave

Manter esses princípios centrais em mente ao selecionar e copiar obras o ajudará a obter o máximo benefício possível de seus esforços.

Escultura: Encontrando a Forma

Fazer cópias dos desenhos dos Antigos Mestres é útil para a compreensão da forma, mas desenhar esculturas a partir da vida (não a partir de fotografias) é ainda mais útil. Ao contrário das reproduções planas, você pode espiar pelas bordas de uma escultura para vê-la e desenhá-la de todos os lados. E, ao contrário de trabalhar a partir de um modelo de vida, você pode observá-lo de cima e de baixo, tão de perto quanto desejar, pelo tempo que for necessário para obter uma visão totalmente tridimensional de uma parte do corpo particularmente difícil.

Algumas das esculturas mais úteis são fragmentos gregos e romanos quebrados, especialmente quando as quebras percorrem transversalmente a forma. Isto permite uma oportunidade de experimentar as formas complicadas do corpo humano de forma mais conceitual, como sólidos simplificados. Por exemplo, quando o corte passa por um braço, você pode ver a forma cilíndrica subjacente. Quando o corte corta um torso, como no famoso Belvedere Torso (ver página 49 da revista que você poderá baizar no final desse artigo), ele traz à tona a forma cúbica subjacente dessa forma.

Ainda desenho estátuas de mármore em museus e muitas vezes envio meus alunos a museus para esse fim, especialmente quando eles têm dificuldade em representar relações de valor no modelo. A falta de cor da escultura ajuda o artista a ver a figura como uma forma pura, desprovida dos preconceitos subjetivos que advêm das mudanças locais de cor na pele, na maquiagem ou no figurino. Por exemplo, ao pintar os olhos, muitos artistas deixam o lado da sombra do olho muito branco e colocam muita ênfase nas pálpebras como linhas. Ver olhos esculpidos e monocromáticos permite observá-los melhor na vida real e compreender que as pálpebras não são formas descontínuas e separadas, mas são moldadas sobre o olho, girando continuamente junto com a forma esférica subjacente do globo ocular e lavadas. por uma série gradual de valores claro-escuro.

Uma dificuldade em desenhar a partir de uma escultura é a iluminação. Tente encontrar esculturas iluminadas por uma única fonte de luz que melhore a forma. Múltiplas fontes de luz fraturam os volumes de uma escultura e diminuem sua sensação de volume mais cúbica.

The Model Nizzavona
by Henri de Toulouse-Lautrec, ca. 1882, charcoal, 24 x 18½. Collection Art Institute of Chicago; Chicago, Illinois.

Você também pode pedir conselhos aos mestres sobre a expressividade da forma e sobre como colocar mais gestos no desenho da figura geral. No desenho de Lautrec, observe como ele exagera levemente o pé que avança para o canto inferior da imagem.

Em Nu feminino em pé visto de lado, observe como Van Gogh reforça levemente o movimento de vaivém dos quadris e do peito para dar à figura em pé uma sensação de peso firme e equilíbrio.

Standing Female Nude Seen From the Side
by Vincent van Gogh, 1886, graphite, 197⁄8 x 157⁄16.
Collection Van Gogh Museum, Amsterdam, Netherlands.

Pinturas mestres: conceitos de composição tornados claros

Ao aprender sobre composição, é útil ler um bom livro sobre o assunto, mas nada supera o conhecimento que advém do esboço grosseiro de pinturas mestres. Meus primeiros cadernos de desenho estão cheios de miniaturas rabiscadas feitas enquanto caminhava por museus, observando como os Velhos Mestres manipulavam e “quebravam” as regras encontradas nos livros. Logo percebi que não existem regras de composição que não possam ser quebradas desde que a imagem tenha algum tipo de lógica interna.

Ao desenhar a partir dessas pinturas, não se preocupe com os detalhes. Basta esboçar as grandes formas de maneira ampla e abstrata. Em breve você começará a notar como formas distantes interagem umas com as outras e se conectam em uma relação implícita que mantém toda a imagem unida. Para deixar isso mais claro, tente desenhar linhas de rastreamento entre essas formas para conectá-las literalmente. Ou use um bastão de carvão para esboçar grandes massas de valor escuro e você descobrirá como conectar formas de sombra em toda a composição para criar formas abstratas maiores e ritmicamente emocionantes.

Os Velhos Mestres não são os únicos artistas que valem a pena estudar – você pode aprender quase tanto desenhando pinturas abstratas quanto de obras figurativas. Em última análise, toda boa composição deve funcionar num nível abstrato para ser um reflexo convincente da realidade.

Às vezes, é útil fazer cópias de pinturas ou desenhos sem nenhum objetivo explícito em mente. Mesmo que você não seja um artista e apenas goste de ver arte, desenhar dessa forma o ajudará a compreender melhor e a ir além de seus preconceitos sobre a pintura. Isso deixa você mais lento e faz você observar sutilezas que você poderia ter perdido se estivesse apenas andando casualmente por uma galeria.

A beleza do preto e branco

Ao copiar de uma pintura (ou ao desenhar a partir de um modelo com roupas coloridas), não é incomum ter dificuldade em visualizar as relações amplas de valores, porque suas percepções de cores muitas vezes atrapalham. Para ajudar a ver essas relações de valores-chave, faça uma fotocópia em preto e branco de uma pintura de um livro de arte. As fotocópias, especialmente aquelas com forte contraste, tendem a exagerar as diferenças de valor, desfocando as sombras em uma forma facilmente identificável e descolorindo as luzes umas nas outras. Copiar essas imagens em preto e branco sintonizará seus olhos com as grandes relações de valores de luz e escuridão que permeiam as figuras e o fundo. Este exercício também torna mais fácil visualizar se os valores de meio-tom pertencem à faixa escura ou à faixa clara e educa seu olho para ver essas relações sutis no modelo vivo.

Na Figura 1 em preto e branco inalterada, observe como o fundo em meio-tom é importante para a composição geral, realçando as luzes e sombras fortemente contrastantes da figura. No entanto, muitos artistas tendem a tornar as luzes refletidas encontradas na sombra da testa muito brilhantes, como se pertencessem aos planos de luz direta muito mais brilhantes.

Na Figura 2 escurecida, você pode ver como as sombras se fundem – as luzes refletidas estão claramente mais relacionadas ao lado escuro do rosto do que ao lado claro, fundindo-se facilmente com o resto das formas de sombra.

Na Figura 3, a fotocópia é ainda mais escura, demonstrando o quanto os realces são mais claros em comparação com o restante dos meios-tons claros e como os realces na face tendem a se agrupar em forma de crescente.

Você pode tentar este exercício com fotocópias ou com uma reprodução em um monitor de laptop, simplesmente inclinando a tela para trás para acentuar e agrupar as formas escuras.

Fotografia e Cinema

As formas de arte da fotografia, filme e vídeo são geralmente ignoradas quando os artistas falam sobre a importância de fazer cópias. Mas fiz muitos desenhos rápidos inspirados nestas fontes, seguindo os passos de artistas tradicionais do século XIX como Degas e Delacroix, que trabalharam a partir de fotos para melhorar a sua compreensão dos gestos e movimentos humanos e animais. Diz-se que Degas baseou alguns de seus desenhos e pinturas nas fotos de cavalos em movimento de Eadweard Muybridge, e é muito claro que muito de seu senso de composição evoluiu para incorporar algumas das sensibilidades de recorte e ponto de vista encontradas na fotografia.

Você pode encontrar fotos que valem a pena copiar em praticamente qualquer lugar – examine poses de ação e expressões faciais em revistas e jornais esportivos ou pause vídeos para ver melhor como o corpo se move quadro a quadro. Quando criança, fui fortemente influenciado em termos de composição por cineastas como Fritz Lang e Akira Kurosawa. Agora, graças aos vídeos, sou novamente como uma criança em uma loja de doces, capaz de pausar seus filmes para melhor apreciar e aprender com suas composições, como eles relacionavam ou recortavam figuras, montavam sua iluminação e usavam sombras para reforçar uma imagem, humor ou emoção.

Cavalo e Jóquei

por Edgar Degas, cerca de 1897–1890, giz vermelho, 11 1 ÿ8 x 16½. Coleção Museu Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Holanda.
Degas não teve vergonha de usar quaisquer ferramentas que pudesse encontrar para melhorar sua compreensão do movimento e fez muitas cópias de fotografias, como este esboço de uma fotografia de Eadweard Muybridge.

Animação: Realçando o gesto

Embora a maior parte da animação atual seja plana e gráfica, você pode aprender muito com os animadores clássicos das décadas de 1930 e 1940. Até mesmo os esboços de seus personagens individuais têm uma incrível sensação de movimento e gesto. Em um processo que esses primeiros animadores chamavam de squeeze e stretch, eles desenhavam cada uma das partes do corpo de um personagem inclinando-se em direção à próxima, como se estivessem esticadas na direção da ação geral.

Na vida, há sempre algum tipo de relação interligada de partes do corpo que rima com o fluxo geral da figura, que você pode optar por renderizar de forma seca ou exagerada em seu desenho. Embora nunca seja tão óbvio como em uma figura de desenho animado, geralmente há uma série de mudanças graduais e antecipadas na borda de uma parte do corpo antes de encontrar outra, e a pele muitas vezes se estica na direção do movimento implícito na pose. Copiar alguns exemplos de animação clássica pode sensibilizá-lo para essas relações muito sutis e elásticas no corpo humano.

Muitos animadores clássicos desenhavam em torno de formas sobrepostas, como se cada parte do corpo fosse transparente, não muito diferente da abordagem defendida por Hokusai em seu livro de instruções de desenho. Este é um bom lembrete de como é importante desenhar para frente e para trás em ambos os lados de uma parte do corpo para obter uma melhor compreensão da circunferência da forma.

Você também verá evidências disso nos desenhos dos Velhos Mestres, que muitas vezes desenhavam linhas de construção curvas e tênues ao longo e ao redor de suas formas. Lembre-se, porém, que os animadores preferem formas uniformes e simétricas, mas a figura humana, especialmente os seus membros, são bastante assimétricas. Sempre confie em seus olhos.

Figura Pulmonante

de Dan Gheno, 2013, lápis sanguíneo, 24 x 18. Coleção do artista.

Ao traçar um movimento, os animadores geralmente bloqueiam as posições inicial e final de uma ação principal antes de desenhar os estágios intermediários. Muitas vezes penso nisso ao desenhar o modelo e tento imaginar um caminho de ação, me perguntando de onde vem essa pessoa e para onde vai.

Torso feminino escorçado

de Dan Gheno, 2010, lápis de cor e carvão branco sobre papel tonificado, 18 x 24. Acervo do artista.

Caricaturas: conseguindo uma semelhança

Procure outra forma de desenho animado, a caricatura, para aprender como obter uma semelhança confiável em seus desenhos de retratos. Quando os artistas desenham caricaturas, como a Caricatura de um homem com uma caixa de rapé, de Monet , eles usam uma técnica chamada regra de três, dividindo o rosto em três segmentos principais que consistem na massa da testa, no comprimento do nariz e na área do nariz ao queixo. Eles então exageram cada porção, exagerando a mais longa e subestimando a mais curta para obter uma semelhança confiável em um tempo de trabalho relativamente curto.

Não custa nada adotar a mesma abordagem em seu trabalho mais sério. Pergunte a si mesmo qual é o maior segmento do modelo e qual é o mais curto, ao mesmo tempo que compara a altura total da cabeça com a sua largura. Inicialmente, você pode até empregar um leve exagero, como um caricaturista, para ter certeza de que tem a “semelhança” e, em seguida, puxar a imagem de volta para uma abordagem mais contida e realista.

Caricatura de um homem com uma caixa de rapé

por Claude Monet, ca. 1858, carvão com giz, 23ÿ x 13. Coleção Sterling & Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts. Cortesia da Biblioteca de Arte Bridgeman.

Tente ter a mente aberta sobre quais obras de arte você escolhe copiar, pois você pode aprender algo com quase qualquer material de origem. Por exemplo, desenhar a partir de caricaturas ajuda você a entender melhor como capturar uma imagem usando a regra de três. Este é um processo bastante confiável em que você compara os comprimentos da unidade da testa, do nariz e do nariz ao queixo, perguntando-se qual é o mais longo e qual é o mais curto. Os caricaturistas muitas vezes exageram essas relações, como fez Monet neste desenho. Enquanto você trabalha para definir uma semelhança, não custa nada “imaginar” esses exageros em sua mente, mesmo se você Estiver fazendo um desenho realista e contido.

Originais ou reproduções

Vivemos em uma época de sorte com a fácil disponibilidade de imagens de alta qualidade dos Antigos Mestres na Web e em livros. Mas não se engane; nada se compara a olhar para a coisa real.

Ainda me lembro do dia em que vi pela primeira vez um desenho do Velho Mestre pessoalmente. Fiquei pasmo. Pude ver todas as lições visuais que normalmente vemos em uma reprodução, mas nunca tinha percebido a delicadeza do traço, a maneira como alguns traços ficavam acima do papel e outros profundamente incisos, como algumas linhas de tinta brilhavam como se ainda estivessem molhadas, e até mesmo a maneira como o grão do papel parecia brilhar sob a luz.

Ao mesmo tempo, você notará que nenhum desenho mestre é perfeito, embora você não perceberia isso nas reproduções em livros e revistas, onde os desenhos geralmente são reduzidos em tamanho em relação ao original, com todas as linhas parecendo firmes e nítidas e o papel limpo e perfeitamente plano. Em vez disso, muitos desenhos mestres estão cheios de rasuras, juntamente com muitas linhas de construção preparatórias pouco visíveis e depressões amassadas no papel onde antes existiam linhas. Ao longo da imagem, você pode ver a mente do artista trabalhando, olhando para o modelo, fazendo uma estimativa sobre valor e forma, anotando-o, mudando de ideia e fazendo uma revisão.

Talvez a lição mais importante que você possa aprender ao copiar grandes obras-primas é que as revisões não são “erros”, mas uma parte necessária do processo. Na verdade, esta evidência dos processos de pensamento tateantes e exploratórios dos artistas confere aos desenhos dos Velhos Mestres muito do seu encanto. Da mesma forma, é importante estar disposto a mudar uma linha ou uma proporção a qualquer momento se você realmente deseja responder ao modelo com uma atitude honesta e intransigente.

Ilustração de Ryakuga Haya Oshie (método para aprender desenho rápido)

por Katsushika Hokusai, 1812–1814, xilogravura.

Saber como cada módulo da forma se relaciona ritmicamente com todos os outros em uma figura ajuda o artista a dar mais força gestual à pose geral.

Fazendo o trabalho em um museu

Você pode descobrir que a logística de copiar originais pode ser bastante assustadora. Muitos museus permitem que você marque um horário para ver obras específicas, mas geralmente têm falta de pessoal e pouco tempo, por isso não podem permitir que visitantes aleatórios perambulem aleatoriamente por seus arquivos. Suas chances aumentam enormemente se você puder provar sua boa-fé mostrando afiliação a uma escola ou algum tipo de posição profissional como artista, pesquisador, etc. Também ajuda a provar sua seriedade se você souber o título exato e o número de acesso para o desenho que você deseja examinar antes de marcar uma consulta – essas informações geralmente podem ser encontradas com uma pequena pesquisa no site de um museu.

A maneira mais fácil de ver um desenho na sua forma original é esperar até que um museu o exiba, mas mesmo isso não é uma panacéia, pois os museus nem sempre permitem que os visitantes desenhem obras, especialmente aquelas expostas em exposições temporárias. Muitas vezes você pode superar essa liminar simplesmente pedindo permissão antecipadamente ao escritório do museu. Caso contrário, não adianta discutir com os guardas, mas eles frequentemente olharão para o outro lado se você for discreto e ficar de lado para evitar bloquear a visão de outro cliente – uma boa ideia, mesmo que a cópia seja explicitamente permitida.

Você também pode comprar o catálogo da exposição para aproveitar as reproduções. Mas lembre-se que por melhor que seja a reprodução, a fotografia sempre exagera valores e linhas; não há nada como a coisa real.

Mulher agachada

por Dan Gheno, 2013, lápis sanguíneo, 18 x 9. Coleção fo artista.

Ao trabalhar a partir da vida, sempre tento pensar ao redor, através e dentro das formas do corpo.

Nem tudo precisa ser reproduzido igualmente ao trabalhar na vida real. Aprendi esta lição depois de olhar pela primeira vez alguns desenhos dos Velhos Mestres na vida real – percebi quão soltas e improvisadas eram algumas de suas linhas e quão importantes eram as linhas de construção preparatórias usadas para iniciar o desenho para a aparência do desenho finalizado. As linhas mais definidas que ocorrem posteriormente no processo de desenho são essenciais para estabelecer a estrutura volumétrica da figura, mas se você puder evitar a tentação de apagar as linhas de construção anteriores, você poderá descobrir que elas dão energia extra ao seu esboço.

Mulher em pé

de Dan Gheno, 2012, lápis sanguíneo, 18 x 9.
Coleção do artista.

Armas em Ação
de Dan Gheno, 2012, lápis sanguíneo, 20 x 18.
Coleção do artista.

Luz no torso feminino

de Dan Gheno, 2010, lápis de cor e carvão branco sobre papel tonificado, 18 x 24. Coleção do artista.

Mestres e imitadores

Não se surpreenda se você ocasionalmente sentir alguns efeitos colaterais depois de copiar muitos desenhos mestres. Por exemplo, se você copiar muitos desenhos de Rubens, poderá acabar exagerando inconscientemente as curvas das formas do modelo. Se você observar muitas caricaturas, poderá perceber que está desenvolvendo o hábito de deixar a cabeça muito grande nos desenhos das figuras. Este é um fenômeno natural e é fácil de neutralizar se você procurar por ele.

Não tente copiar conscientemente o estilo de um Velho Mestre por si só. É bastante fácil imitar as peculiaridades de outro artista, e você pode se sentir confortável fazendo isso porque terá uma escala objetiva para comparar seu trabalho. Mas você nunca dirá nada único com suas personificações e nunca terá a profundidade de experiência que advém de olhar para o modelo com seus próprios olhos e mente.

No final das contas, fazer muitas cópias é inútil se você não passar ainda mais tempo trabalhando na vida. Afinal, o objetivo não é fazer uma cópia perfeita, mas avançar na sua compreensão da forma humana e observar como outros artistas usam a linha, o valor e a composição – conhecimento que beneficiará seus próprios esforços criativos.

Esboço de Ugolino e seus filhos

por Dan Gheno, 1995, caneta esferográfica, 11 x 8½.

Coleção o artista. Cópia da escultura de Jean-Baptiste Carpeaux, no Metropolitan Museum of Art, em Nova York.

Figura masculina em pé por trás

por Dan Gheno, 2013, carvão, 18 x 9.
por Dan Gheno, 1995, caneta esferográfica, 11 x 8½.
Coleção o artista.

Figura sentada e aberta

de Dan Gheno, 2001, lápis de cor e carvão branco sobre papel tonificado, 24 x 18. Acervo do artista.

Eu estava pensando conscientemente no artista de quadrinhos Steve Ditko ao desenhar essa pose. Eu não estava tentando copiar seu estilo, mas tentando canalizar a energia encontrada em seu trabalho. Encontro inspiração na maneira como ele frequentemente posiciona os membros em contraponto, às vezes mergulhando um braço na frente do torso, com outro membro projetando-se em direção ao observador e outro membro afastando-se da figura central.

Você deve evitar copiar propositalmente o estilo de outra pessoa. Ao mesmo tempo, somos produtos da nossa época. É compreensível e normal que todos tenhamos um estilo pessoal, baseado no tipo de arte que gostamos e que olhamos, nas pessoas que desenhamos e nas razões pelas quais escolhemos fazer arte.

Não tenha vergonha de quem você é ou das influências que ajudam a torná-lo quem você é.

Retrato de Guillaume Lethière

por Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1815, grafite sobre papel tecido, 11 x 83 ÿ4. Coleção The Morgan Library & Museum, Nova York, Nova York.

Se você está acostumado a ver desenhos de artistas como Ingres em reprodução, ao vê-los na vida real, ficará surpreso ao descobrir o quanto está perdendo. Pessoalmente, você notará como alguns valores são fracos e como algumas linhas são indescritivelmente finas. Existe uma escala de valores muito mais ampla num desenho original do que numa réplica fotográfica. Onde as linhas de um artista podem aparecer como um valor em negrito e escuro em uma reprodução, elas podem variar muito no original. Eu sabia que precisava manter meus lápis muito mais afiados depois que vi meu primeiro desenho de Ingres em carne e osso e, em geral, acho que você se verá aumentando suas próprias expectativas em relação ao seu desenho depois de observar apenas alguns originais do Velho Mestre.

Essse artigo foi tirado da revista Drawing Fall 2013. Caso você queira adquirir uma cópia grátis dessa revista em PDF traduzida para o português (Google Tradutor), clique aqui

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