O estúdio do artista
por Vermeer, 1665-1667,
óleo, 471/4 x 391/2. coleção
Kunsthistorisches Museum,
Viena, Áustria.
Note como a cortina de destaque
em primeiro plano à esquerda ajuda
criar uma sensação de profundidade na
composição, por exemplo, de
repoussoir.
Técnicas de desenho em profundidade, cor e valor
Conseguir profundidade em seus desenhos – Aula de Desenho
A sensação de profundidade faz um desenho muito mais convincente. Os Velhos Mestres usaram uma série de dispositivos para dar profundidade aos seus desenhos e pinturas.
Aqui estão algumas deles.
Vermeer é apenas um artista que efetivamente utilizado repoussoir para criar a ilusão de profundidade em sua arte. “Repoussoir” é um verbo francês “para empurrar para trás”, e em composições de desenho isso muitas vezes significa a colocação de uma grande figura ou outro elemento de destaque no primeiro plano extremo, muitas vezes, à esquerda, onde se lê rapidamente pelos telespectadores como seus olhos digitalizar da esquerda para a direita, movendo-se rapidamente para
o ponto focal, depois de ter registrado imediatamente a sensação de profundidade sugerida. Em “Estudo do artista” de Vermeer, por exemplo, o artista usa uma cortina à esquerda para criar a sensação de espaço.
Obviamente, o sucesso de repoussoir é atribuído ao fato de que os objetos diminuem em tamanho quanto mais perto estão do espectador. Mas muitos problemas de desenho em composições são atribuíveis a problemas de escala decorrentes desta lei física evidente. Atenção às regras da perspectiva vai garantir que os objetos estejam diminuindo de tamanho a uma taxa adequada quando se distanciam.
Medéia: O Casamento de
Jason e Creusa
por Rembrandt, 1648, gravura, 91/2 x 7.
Colecção do Museu do Louvre, Paris, França.
Observe como a figura de sombra na
inferior direito é maior do que as figuras
do casal, um exemplo
de repoussoir. O casal se sobrepõem a
muro de contenção no meio-termo,
que se sobrepõe à linha de espectadores,
que se sobrepõem o principal pilar de apoio,
que se sobrepõe os alcances mais distantes
da igreja, tudo contribuindo para
uma poderosa sensação de profundidade. Mesmo
o meio de preto-e-branco, lineares
de uma gravura, Rembrandt consegue
sugerindo uma diminuição do contraste
em elementos como eles recuam para o
fundo.
Objetos à distância também são mais leves , menos definidos, e parecem mais bem agrupados à objetos semelhantes no meio termo e planos.
Elementos aparecem mais leves e menos detalhados porque a luz , o veículo de informação visual, é afetada pela atmosfera da Terra. Mesmo sob condições bem definidas , a luz (e portanto , a aparência de todos os objetos distantes) é alterada pelo fenômeno óptico conhecido como espalhamento Rayleigh . Quanto mais clima entre o espectador e o objeto , mais pronunciado o efeito .
Nomeado após Lord Rayleigh , o físico do século 19 que a descobriu , este efeito é causado por partículas no ar que são menores em tamanho do que um comprimento de onda de luz , dispersando assim ou desarmando a luz. (Aliás, quanto menor o comprimento de onda da luz , mais ela será espalhada, o que explica a forma como os nossos olhos interpretam o azul do céu . A cor azul do céu é causada pela luz solar espalhando as moléculas da atmosfera .
Porque a luz azul tem um comprimento de onda muito curto , ela é espalhada mais facilmente , e assim, a luz azul é mais visível na nossa atmosfera . ) A luz é ainda mais difundida pelas partículas maiores, tais como as do fumo , poluição e nevoeiro , e o efeito destes fatores (chamados de espalhamento Mie após físico alemão Gustav Mie ) é mais pronunciado para mais perto do horizonte do que no auge do céu , porque essas partículas mais pesadas afundam para mais perto do chão .
Artistas se referem a este fenômeno global como perspectiva aérea ou atmosférica, que é confuso porque não tem nada a ver com o ponto de vista da escala , o significado usual da perspectiva de longo prazo nas discussões sobre arte e composição. ( Leonardo deu esse nome, perspectiva aérea, que provavelmente tem algo a ver com a sua perseverança. )
Para sugerir o efeito de perspectiva aérea causada pela atmosfera, fazer os contrastes de valor menos definidos em objetos na distância. Ou seja, tirar recursos de objetos à distância usando marcas que estão perto desse valor. A atmosfera também suaviza e borra um pouco os contornos de objetos distantes, mas tenha em mente que a principal razão de suas bordas serem menos perceptíveis é por causa da redução no contraste entre a sua luz e os planos escuros. O importante é clarear o tom geral , em comparação com objetos similares no meio termo e plano.
Um bosque de pinheiros com uma torre em ruínas
por Claude Lorrain, 1638-1639, caneta e tinta marrom com marrom, cinza e rosa
lavar em papel branco, 125/8 x 83/4. Coleção do Museu Britânico, Londres, Inglaterra.
Observe como o contraste na casca das árvores perto do lado esquerdo é mais acentuada do que o contraste da casca das árvores de meia-terrestres. Claude também trouxe a próxima colina em frente ao morro do meio-campo para ajudar a empurrar o segundo grupo de árvores de volta.
Esta imagem está atualmente em exibição até 12 de agosto, como parte da exposição Claude Lorrain-The Painter como Relator: desenhos da useum britânico, “no
National Gallery of Art, em Washington, DC.
Quando se trabalha em cores, incorporar azul na tonalidade das cores no fundo para reforçar o efeito de espalhamento de raios de luz. (Poluição e fumaça, através de espalhamento Mie, pode significar alterar o tom geral não com azul, mas com uma cor quente.) E lembre-se que as sombras na distância são afetadas pelas mesmas leis físicas como outros objetos à distância, ou seja, sombras no fundo devem ser mais leves do que sombras em primeiro plano. Outra maneira muito útil para implicar profundidade em um desenho é a sobreposição de elementos de acordo com a lógica da cena. Adicionando um ramo a uma árvore a meio terreno que se sobrepõe a um edifício no plano de fundo irá ajudar a empurrar o edifício para trás. Montanhas distantes em diferentes profundidades devem sobrepor-se, assim a diferença no seu tom é facilmente perceptível. Mesmo que elas não se sobreponham na cena real, esse ajuste deve ser considerado em seu papel de qualquer maneira.
E, finalmente, a figura humana, um objecto que todos inerentemente conhecem bem, pode ser colocada em qualquer lugar da escala adequada na composição, para criar uma compreensão imediata da profundidade implícita na composição.
Uma vista do Aventino
por Claude Lorrain, 1673, giz preto, caneta e tinta marrom com lavagem marrom no papel branco, 79/16 x 103/8. A coleção do Museu Britânico, Londres, Inglaterra.
Claude empregada elementos repoussoir (na coluna à direita e as árvores à esquerda) para sugerir profundidade, e ele também se sobrepôs ao outeiro plano para empurrar as duas figuras no meio termo. Elementos foram prestados com o aumento da leveza como eles passam para segundo plano. Esta imagem está atualmente em exibição até 12 de agosto, como parte da exposição “Claude Lorrain-The Painter como Relator: Desenhos do Museu Britânico”, na National Gallery of Art, em Washington, DC.
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Carlos Damasceno