Os desenhos Conté e aquarelas de Matthew Daub
Direto do Estúdio de Desenhos Realistas de Carlos Damasceno
Os desenhos Conté e aquarelas de Matthew Daub
Os desenhos Conté e aquarelas de Matthew Daub retratam lugares reais, mas o artista manipula essas cenas da maneira necessária para comunicar sua experiência emocional da paisagem.
A paisagem de Matthew Daub parece específica, mas ao mesmo tempo dá a sensação de que você pode estar em qualquer lugar. A exatidão vem, em parte, da riqueza de detalhes que marcam o lugar.
Cruzamentos, placas de rua, edifícios e postes telefônicos dão a impressão de que você está olhando para um ponto em uma estrada da Pensilvânia, em uma determinada hora do dia, durante uma determinada época do ano. Mas estas localizações também parecem representar algo muito mais amplo. Talvez seja porque as paisagens parecem tão americanas: paisagens repletas de trilhos de trem, silos de grãos e longas estradas rurais evocam Edward Hopper, Charles Sheeler, Robert Frank e um século de outros artistas que investigaram a América através de tais motivos. As imagens de Daub ressoam com
esta tradição nacional, mas a América não é necessariamente o seu tema central, pois estas paisagens
solitárias também funcionam num nível mais íntimo.
Eles são evasivos, evocativos e pessoais, proporcionando visões convincentes dos sentimentos do artista em relação aos lugares que o cercam.
Daub concentrou-se na paisagem durante a maior parte de sua carreira e acredita que o assunto lhe deu um veículo para canalizar suas experiências emocionais e sensoriais do mundo. “Meu ambiente sempre foi muito comovente para mim”, diz o artista. “Certos locais e certas emoções em diferentes momentos do dia – é a maneira como me sinto que realmente me interessa, mais do que a aparência de uma pedra, uma árvore ou uma casa.”
Naturalmente, estas ligações ocorrem mais intensamente com a área no leste da Pensilvânia onde o artista vive. Daub desenha e pinta o ambiente imediato e cotidiano. “Nós moramos no interior do país há cerca de sete anos”, diz ele. “Não há muitas pessoas, mas esta é a minha comunidade, e a arte é uma forma de me sentir parte deste ambiente.”
Em última análise, o tema de Daub não é apenas a paisagem em si, mas a paisagem tal como ele a vivencia. “Os artistas estão sempre à procura de temas”, observa Daub, “mas, como disse Delacroix,
o tema é você. Posso encontrar interesse em uma pedra na água – essa é a desculpa que me permite brincar com minhas emoções. Eu valorizo coisas que realmente me emocionam, sejam elas felizes ou tristes. Quando estou no meu estúdio – no último andar de uma cabana de madeira com vista para Maiden Creek – tento canalizar essas emoções. A forma como me sinto é a forma como o meu desenho será, e estou muito consciente disso.”
Nos seus esforços para reproduzir a sua experiência da paisagem, Daub está aberto a manipular qualquer coisa – desde a cor, à perspectiva, à colocação de sinais, árvores e até estradas e edifícios. “Mesmo um realista não é realmente realista se não estiver fazendo seu trabalho corretamente”, diz Daub.
“Meu trabalho parece bastante realista para a maioria das pessoas, e em meus trabalhos mais recentes há fortes evidências de que a fotografia está envolvida. Mas são todos altamente manipulados – minhas pinturas e desenhos são completas invenções. Quando as pessoas veem as fotografias reais com as quais trabalho, ficam chocadas. Não procuro assuntos que sejam interessantes como assuntos; Estou procurando um veículo que possa impressionar minha emoção.”
O projeto mais recente de Daub é uma série de aquarelas quase monocromáticas que traçam o caminho de Maiden Creek, parte do qual flui por sua propriedade. “Eu queria tornar as pinturas o mais objetivas possível, em certo sentido”, diz ele. “Eles são manipulados, mas não tanto quanto a maior parte do meu trabalho. Eu queria tirar muito do romance disso, incluindo os títulos sendo apenas as coordenadas.”
Para essas pinturas, o artista utiliza uma paleta limitada dominada por tons cinza-azulados. Esta é uma nova abordagem à cor para Daub, e ele descobre que lhe permite combinar as suas tintas com os sentimentos evocados pelos seus temas. “Eu adoro cores e, na década de 1990, as cores das minhas aquarelas eram realmente intensificadas – eu exagerava”, diz ele. “Mas acho que a maior parte do clima do meu trabalho é contemplativo, talvez com um pouco de melancolia. O clima é o que considero mais atraente e interessante. E a cor, quando está muito quente, pode atrapalhar esse clima. Eu não acho que isso é verdade para todos os pintores, mas tem sido verdade para mim.”
Outra ferramenta que o artista usa para estabelecer o clima é a colocação de figuras – ou seja, sua evidente falta de figuras. As paisagens de Daub estão repletas de evidências de atividade humana, mas consistentemente desprovidas de pessoas reais.
Isto dá aos seus desenhos uma sensação de isolamento, mas também pode, ironicamente, proporcionar uma sensação pessoal. “Há anos incluí muitas figuras nas minhas paisagens, embora sempre tenha sido muito seletivo sobre onde as colocaria, a sua localização, gestos e como eles se portavam”, diz Daub.
“Mas com o tempo, passei a acreditar que meu trabalho não envolve outras pessoas. É autobiográfico; é sobre como estou respondendo. Quando os espectadores olham para meus desenhos e pinturas, quero que eles se coloquem no meu lugar e experimentem o ambiente como eu o senti – não vê-lo através de outra pessoa na paisagem que está vivenciando o ambiente à sua maneira.”
As paisagens de Daub estão repletas de diferentes tipos de caminhos – estradas, rios e trilhos de trem. Ele os usa como dispositivos composicionais, mas também como indicadores de mistério. Ele explica: “Quando ensino meus alunos sobre a criação de espaço em uma pintura tradicional, falamos sobre linhas principais – como o o olho segue uma diagonal no plano pictórico e o lê como uma linha recuando. Então é isso: as estradas funcionam bem espacialmente. Mas mais do que isso, as estradas falam de transições. O que você não vê, o que está logo ali na esquina, é um importante gatilho psicológico. Uma das minhas pinturas favoritas é Gas, de Hopper, e o que há de mais maravilhoso nela é o espaço escuro no fim da estrada. É o desconhecido.”
O processo de desenho de Daub é uma mistura de planejamento, espontaneidade, instinto e revisão cuidadosa. Ele começa a trabalhar com apenas uma folha de papel aquarela prensado a quente, uma pilha de Conté lixado e uma coleção de trapos e toalhas de papel “em vários estágios de decrepitude”. Depois de olhar sua referência e pensar na composição, ele pega a toalha que achar melhor, mergulha no Conté e começa a esfregar nas grandes formas da composição.
Ao formar o design geral de uma imagem, Daub presta pouca atenção às chamadas regras de composição. “Nunca utilizo nenhum tipo de dispositivo de grade, como a seção áurea, a regra dos terços ou qualquer coisa parecida”, diz ele. “Um dos meus heróis é Giorgio Morandi, e ele quebra todo tipo de regra de composição que qualquer professor possa lhe dizer. Às vezes, uma composição estranha é a melhor composição. Meus desenhos começam muito mais soltos do que qualquer um poderia imaginar”, Daub continuou. “No início, eles se parecem mais com Franz Kline do que com Matthew Daub. Só estou tentando deixar o instinto sair — para inserir as formas e estabelecer os padrões de claro e escuro. Então vou ajustar e ajustar as coisas. Pego um poste telefônico, por exemplo, e deslizo-o levemente pela página. Chega ao ponto em que você simplesmente sabe que está certo. Você não pode provar isso, mas seu sentido apenas lhe diz que é onde ele precisa estar. Não é diferente do modo como um formalista abstrato colocaria uma marca em uma página. E esse processo é muito criativo e muito satisfatório.”
Ao longo de um desenho, Daub incorpora inúmeras variedades de Conté — adere a todas as durezas disponíveis, bem como ao pó que aplica com trapos, pincéis e dedos.
Conté é difícil de apagar, então Daub contorna todas as áreas que pretende deixar brancas. Ele freqüentemente emprega borrachas como instrumentos de desenho, usando-as para desenhar luzes em áreas escuras.
Daub veio para Conté como estudante de graduação na Southern Illinois University, onde foi apresentado ao meio por outro aluno. Daub sabia que Hopper, um de seus heróis artísticos, costumava usar Conté, então tentou.
Ele tem desenhado com ele desde então. “Gosto da leve viscosidade do Conté”, diz ele. “O carvão é seco, pulverulento e duro, mas o Conté é um pouco resinoso. Ele adere um pouco melhor à página, pode fornecer bordas nítidas e você pode criar tons escuros um pouco mais ricos. Preciso de toda essa faixa de valores, do preto mais preto ao branco puro. A desvantagem do Conté é que ele é muito difícil de apagar, mas é perfeito para um pintor de aquarela como eu.”
Assim como manipula a composição, Daub também se sente livre para forçar e distorcer a perspectiva e a proporção. “Se você disser algo com convicção suficiente, poderá fazer as pessoas acreditarem em qualquer coisa – As pinturas de Andrew Wyeth mostram isso”, diz ele. “Acredito muito nos elementos formais de uma obra de arte. Acredito que a forma comunica. Acredito que um uso sensível e intuitivo da proporção pode comunicar ao espectador de uma forma subliminar, da mesma forma que um sujeito talvez se comunique de uma forma mais consciente.”
Um princípio semelhante informa o uso da cor pelo artista – Daub faz o que melhor atende à sua visão. Concreto de Rahn, Virginville, Pensilvânia, por exemplo, contém abordagens tão contrastantes da cor que quase parece duas pinturas sobrepostas uma sobre a outra. Em primeiro plano há um par de paredes de pedra e as sombras que projetam, pintadas em laranjas e azuis dramáticos, e que lembram a cor intensa que durante anos foi uma marca registrada do trabalho de Daub. Mas o fundo, à maneira da pintura mais recente do artista, é fortemente suave, quase monocromático.
Apesar deste intenso contraste entre primeiro plano e fundo, a pintura funciona como uma composição unificada. “Ninguém reclamou que parecem duas pinturas diferentes”, diz Daub. “Isso mostra que você só precisa dizer o que vai dizer com bastante convicção. As pessoas verão e acreditarão.” As palavras do artista são verdadeiras quer aplicadas à cor, à perspectiva, à composição ou às suas paisagens em geral. Olhando para eles, percebemos que mostram com veracidade o mundo tal como o artista o vê e vivencia. Nós vemos isso e acreditamos nisso
Sobre o Artista
Matthew Daub é professor de belas artes na Kutztown University, na Pensilvânia. Ele realizou mais de 20 exposições individuais em locais como o Reading Public Museum, na Pensilvânia, e o Evansville Museum of Arts, History, and Science, em Indian. Suas obras também foram expostas na Academia Americana de Artes e Letras, na Academia Nacional de Design e no Metropolitan Museum of Art, todos em Nova York, entre muitos outros locais. O artista é representado pela ACA Galleries, em Nova York, onde foi realizada uma exposição de sua série Maiden Creek. Para mais informações, visite www.matthewdaub.com
Essse artigo foi tirado da revista Drawing 2013. Caso você queira adquirir uma cópia grátis dessa revista em PDF traduzida para o português (Google Tradutor), clique aqui
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